DF; Pollero Deza
Remake de escena de Los 400 Golpes
lunes, 30 de abril de 2012
domingo, 29 de abril de 2012
Algunos directores de fotografía cuyo trabajo no te puedes perder
Encontré un artículo que me pareció interesante compartir con ustedes. Más abajo hacen una mención a Henri Decaë que fue el DF de la película que me tocó.
Destaca por su trabajo con Haneke, por ejemplo en La Pianista o La Cinta Blanca. Es importante su utilización de espacios austeros y vacíos para lograr expresividad y carga dramática, para colaborar en el carácter tenso y perturbador de los guiones.
También es muy interesante un comentario que dejaron más abajo en esa página:
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| Ivan Zuber |
Una forma muy placentera de recuperar inspiración para nuestras fotografías es, sin duda, con el visionado de películas destacables en este aspecto. Hay muchos buenos directores de fotografía, así que cualquier lista es injusta y deja fuera a muchos más de los que incluye, pero como se dice tantas veces, “no están todos los que son, pero sí son todos los que están”. He aquí una pequeña lista de algunos profesionales cuyo trabajo me parece especialmente inspirador.
Wally Pfister
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| Fotograma de Origen (2010) |
Empiezo con él porque es probable que muchos hayáis visto su trabajo hace poco, y es que el director de fotografía de Origen. De hecho, está presente en casi todas las películas de Christopher Nolan, como El Caballero Oscuro, Batman Begins o Memento entre otras.
Interesante es su comentario en una entrevista
de julio sobre que intenta hacer todo lo posible con la cámara, y dejar
lo menos posible para la edición posterior, y que desde Batman Begins,
ha querido aumentar un poco el color en sus películas.
Slawomir Idziak
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| Fotograma de Tres Colores: Azul (1993) |
Responsable de la excelente fotografía de Azul, de la trilogía Tres Colores, y también responsable de la fotografía de otra película de Krzysztof Kieslowski, La Doble Vida de Verónica.
La fotografía en Azul consigue crear una atmósfera poética y triste, muy bella, con encuadres e iluminación muy cuidados.
Tom Stern
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| Fotograma de Million Dollar Baby (2004) |
El director de la fotografía de las películas de Clint Eastwood desde Deuda de Sangre
da una excelente lección de fotografía clásica, y demuestra un gran
control de la iluminación. Sabe sacar mucho provecho de los claros y los
oscuros, como se puede comprobar perfectamente en Million Dollar Baby.
Janusz Kaminsky
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| Fotograma de Munich (2005) |
Director de fotografía habitual colaborador de Steven Spielberg, ha trabajado en Salvar al soldado Ryan, Munich, o Minority Report,
entre otras. En Minority Report encontramos tonos fríos, tendencia
hacia el azul y el negro. En salvar al soldado Ryan, sin embargo, se
tiende más hacia la crudeza y el realismo.
Bruno Delbonnel
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| Fotograma de Amelie (2001) |
Es el autor de la absolutamente reconocible fotografía de Amélie y de Largo domingo de noviazgo,
de Jean-Pierre Jeunet. Su estilo colorista e imaginativo se nos ha
quedado a todos grabado, de tal forma que más de una vez para describir
una foto he leido “es muy estilo Amélie”. También es el responsable de
la fotografía de Harry Potter y el misterio del príncipe, entre otras.
Larry Fong
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| Fotograma de 300 (2006) |
Ha trabajado con Zack Snyder en 300, en Watchmen y en la esperada Sucker Punch, que llegará a los cines en 2011. También se ha encargado de la fotografía de la futura Super 8 de J.J. Abrams.
Su fotografía es muy particular y se ha convertido en un elemento
distintivo del cine de Snyder. Tiene sus seguidores y detractores, que
la tachan de demasiado artificial, y de conseguir que los personajes
parezcan figuras de cera. Por la red se pueden encontrar más de un tutorial de cómo conseguir la estética de 300 mediante la edición de nuestras fotografías.
Christian Berger
Destaca por su trabajo con Haneke, por ejemplo en La Pianista o La Cinta Blanca. Es importante su utilización de espacios austeros y vacíos para lograr expresividad y carga dramática, para colaborar en el carácter tenso y perturbador de los guiones.
También es muy interesante un comentario que dejaron más abajo en esa página:
Henri Decaë
Antes de ser Director de Fotografía, Henri Decaë (1915 - 1987) entró en la industria del cine como ingeniero y editor de sonido. Anteriormente a esto, era un reportero gráfico en el ejército francés durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, comenzó a hacer pequeños documentales y a dirigir y fotografiar películas industriales y comerciales. Recién en 1947 hizo su primer largometraje.
Decaë está fuertemente asociado a los directores que formaban parte de la Nueva Ola Francesa. Tales como Jean-Pierre Melville, Louis Malle y Claude Chabrol. El primer trabajo de Henri como Director de Fotografía fue con Melville en "Le Silence de la Mer" (1949), además de editar y mezclar el sonido.
Para cuando participó en "Los 400 golpes", de François Truffaut, ya venía con una gran reputación, lo que significó que él era la persona mejor pagada en la película.
Su gusto por la luz natural, su capacidad para trabajar a toda velocidad, así como su sensibilidad fotográfica excelente lo llevó a trabajar con René Clément en varias proyectos, comenzando con "Plein soleil" (1960).
Filmografía:
Riviera (1987) (TV)
La vengeance du serpent à plumes (1984)
Les parents ne sont pas simples cette année (1984)
Attention une femme peut en cacher une autre! (1983)
Un cebo llamado Elisabeth (1983)
... tcc "Exposed" - Estados Unidos (título original)
... tcc "Mujer en peligro" - Perú (imdb display title)
L'été de nos 15 ans (1983)
El profesional (1981)
... tcc "Le professionnel" - Francia (título original)
Est-ce bien raisonnable? (1981)
Inspecteur la Bavure (1980)
El golpe del paraguas (1980)
... tcc "Le coup du parapluie" - Francia (título original)
La isla (1980)
... tcc "The Island" - Estados Unidos (título original)
El rey del timo (1980)
... tcc "Le guignolo" - Francia (título original)
An Almost Perfect Affair (1979)
Yo impongo mi ley a sangre y fuego (1979)
... tcc "Flic ou voyou" - Francia (título original)
The Hard Way (1979) (TV)
Los niños del Brasil (1978) (director de fotografía) (como Henri Decae)
... tcc "The Boys from Brazil" - Reino Unido (título original)
Ils sont fous ces sorciers (1978)
Muerte de un corrupto (1977)
... tcc "Mort d'un pourri" - Francia (título original)
Le point de mire (1977)
Un instante, una vida (1977) (director de fotografía) (como Henri Decae)
... tcc "Bobby Deerfield" - Estados Unidos (título original)
Seven Nights in Japan (1977)
... tcc "Siete noches en Japón" - Venezuela
Siete hombres al amanecer (1975) (director de fotografía) (como Henri Decae)
... tcc "Operation: Daybreak" - Estados Unidos (título original)
Las carreras de un banquero (1975)
... tcc "La course à l'échalote" - Francia (título original)
Isabelle devant le désir (1975)
La mostaza se sube a la nariz (1974)
... tcc "La moutarde me monte au nez" - Francia (título original)
Las locas aventuras de Rabbi Jacob (1973)
... tcc "Les aventures de Rabbi Jacob" - Francia (título original)
Encuentro en Marrakech (1973) (director de fotografía) (como Henri Decae)
... tcc "Two People" - Estados Unidos (título original)
Si Don Juan fuese mujer (1973)
... tcc "Don Juan ou Si Don Juan était une femme..." - Francia (título original)
El derecho de amar (1972)
... tcc "Le droit d'aimer" - Francia (título original)
Delirios de grandeza (1971)
... tcc "La folie des grandeurs" - Francia (título original)
Jo, un cadáver revoltoso (1971) (como Henri Decae)
... tcc "Jo" - Francia (título original)
La luz del fin del mundo (1971)
... tcc "The Light at the Edge of the World" - Estados Unidos (título original)
... tcc "El faro del fin del mundo" - México (imdb display title), Venezuela
Círculo rojo (1970) (como Henri Decae)
... tcc "Le cercle rouge" - Francia (título original)
... tcc "El círculo rojo" - Argentina
Hello-Goodbye (1970)
El único juego de la ciudad (1970) (como Henri Decae)
... tcc "The Only Game in Town" - Estados Unidos (título original)
El clan de los sicilianos (1969) (director de fotografía)
... tcc "Le clan des Siciliens" - Francia (título original)
La fortaleza (1969) (director de fotografía) (como Henri Decae)
... tcc "Castle Keep" - Estados Unidos (título original)
D-Day Revisited (1968)
Diabólicamente tuyo (1967) (director de fotografía)
... tcc "Diaboliquement vôtre" - Italia (título original)
... tcc "Satánicamente tuya" - México (imdb display title)
Los comediantes (1967) (director de fotografía) (como Henri Decae)
... tcc "The Comedians" - Estados Unidos (título original)
El silencio de un hombre (1967) (como Henri Decae)
... tcc "Le samouraï" - Francia (título original)
... tcc "El samurai" - Argentina (título del festival)
El ladrón de París (1967)
... tcc "Le voleur" - Francia (título original)
La noche de los generales (1967) (director de fotografía) (como Henri Decae)
... tcc "The Night of the Generals" - Reino Unido (título original)
Hotel Paradiso (1966) (director de fotografía) (como Henri Decae)
¡Viva María! (1965) (director de fotografía) (como Henri Decae)
... tcc "Viva Maria!" - Francia (título original)
El hombre del Cadillac (1965) (director de fotografía)
... tcc "Le corniaud" - Francia (título original)
Week-end à Zuydcoote (1964)
... tcc "Fin de semana en Dunkerque" - España (versión doblada)
La ronde (1964)
Los felinos (1964)
... tcc "Les félins" - Francia (título original)
El tulipán negro (1964)
... tcc "La tulipe noire" - Francia (título original)
Dragées au poivre (1963)
... tcc "La pimienta de la vida" - Argentina
El guardaespaldas (1963)
... tcc "L'aîné des Ferchaux" - Francia (título original)
La porteuse de pain (1963)
El día y la hora (1963)
... tcc "Le jour et l'heure" - Francia (título original)
Sibila (1962)
... tcc "Les dimanches de Ville d'Avray" - Francia (título original)
Eva (1962) (sin acreditar)
Les sept péchés capitaux (1962) (segmentos "Paresse, La", "Luxure, La" and "Orgueil, L'")
... tcc "Los 7 Pecados Capitales" - México (versión subtitulada original)
... tcc "Los siete pecados capitales" - Argentina
Una vida privada (1962) (director de fotografía) (como Henri Decae)
... tcc "Vie privée" - Francia (título original)
Léon Morin, prêtre (1961)
... tcc "Un cura" - Argentina
Que alegría vivir (1961)
... tcc "Che gioia vivere" - Italia (título original)
Les bonnes femmes (1960)
... tcc "Estas buenas mujeres" - Argentina
A pleno sol (1960)
... tcc "Plein soleil" - Francia (título original)
Una doble vida (1959)
... tcc "À double tour" - Francia (título original)
... tcc "Doble vida" - Argentina
La sentence (1959)
Sólo un testigo (1959)
... tcc "Un témoin dans la ville" - Italia (título original)
Los 400 golpes (1959)
... tcc "Les quatre cents coups" - Francia (título original)
... tcc "Los cuatrocientos golpes" - España
Los primos (1959)
... tcc "Les cousins" - Francia (título original)
Les amants (1958) (director de fotografía) (como Henri Decae)
... tcc "Los amantes" - Argentina, Chile, Costa Rica, México, Uruguay, Venezuela
Le désir mène les hommes (1958)
Ascensor para el cadalso (1958)
... tcc "Ascenseur pour l'échafaud" - Francia (título original)
El bello Sergio (1958)
... tcc "Le beau Serge" - Francia (título original)
S.O.S. Noronha (1957)
Piano mon ami (1957)
Bob le flambeur (1956)
Crèvecoeur (1955)
Navigation marchande atlantique (1954)
Au coeur de la Casbah (1952)
La course de taureaux (1951)
Bertrand coeur de lion (1951)
Si ça vous chante (1951)
Los niños terribles (1950)
... tcc "Les enfants terribles" - Francia (título original)
Le silence de la mer (1949)
... tcc "El silencio del mar" - Argentina (título del festival), España (Título para T)
FUENTE: IMDB
Wikipedia (inglés)
Decaë está fuertemente asociado a los directores que formaban parte de la Nueva Ola Francesa. Tales como Jean-Pierre Melville, Louis Malle y Claude Chabrol. El primer trabajo de Henri como Director de Fotografía fue con Melville en "Le Silence de la Mer" (1949), además de editar y mezclar el sonido.
Para cuando participó en "Los 400 golpes", de François Truffaut, ya venía con una gran reputación, lo que significó que él era la persona mejor pagada en la película.
Su gusto por la luz natural, su capacidad para trabajar a toda velocidad, así como su sensibilidad fotográfica excelente lo llevó a trabajar con René Clément en varias proyectos, comenzando con "Plein soleil" (1960).
Filmografía:
... tcc "Exposed" - Estados Unidos (título original)
... tcc "Mujer en peligro" - Perú (imdb display title)
... tcc "Le professionnel" - Francia (título original)
... tcc "Le coup du parapluie" - Francia (título original)
... tcc "The Island" - Estados Unidos (título original)
... tcc "Le guignolo" - Francia (título original)
... tcc "Flic ou voyou" - Francia (título original)
... tcc "The Boys from Brazil" - Reino Unido (título original)
... tcc "Mort d'un pourri" - Francia (título original)
... tcc "Bobby Deerfield" - Estados Unidos (título original)
... tcc "Siete noches en Japón" - Venezuela
... tcc "Operation: Daybreak" - Estados Unidos (título original)
... tcc "La course à l'échalote" - Francia (título original)
... tcc "La moutarde me monte au nez" - Francia (título original)
... tcc "Les aventures de Rabbi Jacob" - Francia (título original)
... tcc "Two People" - Estados Unidos (título original)
... tcc "Don Juan ou Si Don Juan était une femme..." - Francia (título original)
... tcc "Le droit d'aimer" - Francia (título original)
... tcc "La folie des grandeurs" - Francia (título original)
... tcc "Jo" - Francia (título original)
... tcc "The Light at the Edge of the World" - Estados Unidos (título original)
... tcc "El faro del fin del mundo" - México (imdb display title), Venezuela
... tcc "Le cercle rouge" - Francia (título original)
... tcc "El círculo rojo" - Argentina
... tcc "The Only Game in Town" - Estados Unidos (título original)
... tcc "Le clan des Siciliens" - Francia (título original)
... tcc "Castle Keep" - Estados Unidos (título original)
... tcc "Diaboliquement vôtre" - Italia (título original)
... tcc "Satánicamente tuya" - México (imdb display title)
... tcc "The Comedians" - Estados Unidos (título original)
... tcc "Le samouraï" - Francia (título original)
... tcc "El samurai" - Argentina (título del festival)
... tcc "Le voleur" - Francia (título original)
... tcc "The Night of the Generals" - Reino Unido (título original)
... tcc "Viva Maria!" - Francia (título original)
... tcc "Le corniaud" - Francia (título original)
... tcc "Fin de semana en Dunkerque" - España (versión doblada)
... tcc "Les félins" - Francia (título original)
... tcc "La tulipe noire" - Francia (título original)
... tcc "La pimienta de la vida" - Argentina
... tcc "L'aîné des Ferchaux" - Francia (título original)
... tcc "Le jour et l'heure" - Francia (título original)
... tcc "Les dimanches de Ville d'Avray" - Francia (título original)
... tcc "Los 7 Pecados Capitales" - México (versión subtitulada original)
... tcc "Los siete pecados capitales" - Argentina
... tcc "Vie privée" - Francia (título original)
... tcc "Un cura" - Argentina
... tcc "Che gioia vivere" - Italia (título original)
... tcc "Estas buenas mujeres" - Argentina
... tcc "Plein soleil" - Francia (título original)
... tcc "À double tour" - Francia (título original)
... tcc "Doble vida" - Argentina
... tcc "Un témoin dans la ville" - Italia (título original)
... tcc "Les quatre cents coups" - Francia (título original)
... tcc "Los cuatrocientos golpes" - España
... tcc "Les cousins" - Francia (título original)
... tcc "Los amantes" - Argentina, Chile, Costa Rica, México, Uruguay, Venezuela
... tcc "Ascenseur pour l'échafaud" - Francia (título original)
... tcc "Le beau Serge" - Francia (título original)
... tcc "Les enfants terribles" - Francia (título original)
... tcc "El silencio del mar" - Argentina (título del festival), España (Título para T)
FUENTE: IMDB
Wikipedia (inglés)
jueves, 26 de abril de 2012
Producción y Cine en Alta Definición (2k y 4k)
Producción 2k y 4k
El cine digital es un fenómeno que poco a poco se va imponiendo en el mundo de la producción de contenidos audiovisuales. La profusión de cámaras que ofrecen imágenes de alta calidad “estilo cine” ha permitido que muchas de las grandes producciones que hoy pueblan las carteleras hayan sido grabadas en video. Cabe mencionar los modelos de las marcas tradicionales de cámaras de video como la línea Cine Alta de Sony (F-23 y F-35), la Viper de Thomson y la Varicam de Panasonic, y las que vienen de proveedores del campo del cine, como la D-21 de Arri, la SI-2K de P+STechnik y Silicon Image, y la RED, una cámara que pretende revolucionar la industria.
Una
de las grandes diferencias en los sistemas para posproducción
profesional y los de alta gama es precisamente el formato de archivo.
Cuando se trabaja en 2K o 4K se encuentra uno con el formato DPX –un
contenedor de información que permite direccionar las imágenes 2K cuadro
por cuadro, formato de SMPTE para imágenes de cine digital, originado
en el ambiente de intermedio digital de Kodak y Cineon, el cual se
comporta de manera diferente a los grandes archivos de video que
manipulamos en sistemas de archivos convencionales como NTFS, Macintosh o
Linux.
Cuando hablamos de 2K, estamos hablando de la digitalización equivalente a un cuadro de 35mm en espacio de color 4:4:4 RGB. Cada imagen pesa unos 12 MB. Se llama 2K porque tene una resolución de 2048 x 1556 líneas. El formato 4K multiplica por cuatro el área de 2K ofreciendo una resolución de 4096 x 3112. El gran problema de este formato es el tamaño de la tasa de datos (más de 1,1 GB por segundo o 4TB por hora).
Cuando hablamos de 2K, estamos hablando de la digitalización equivalente a un cuadro de 35mm en espacio de color 4:4:4 RGB. Cada imagen pesa unos 12 MB. Se llama 2K porque tene una resolución de 2048 x 1556 líneas. El formato 4K multiplica por cuatro el área de 2K ofreciendo una resolución de 4096 x 3112. El gran problema de este formato es el tamaño de la tasa de datos (más de 1,1 GB por segundo o 4TB por hora).
Cine digital de 4K
Digital Cinema Initiatives, LLC (DCI) fue creado en 2002 en un esfuerzo conjunto de los mayores estudios de Hollywood para "establecer y documentar especificaciones voluntarias para una arquitectura abierta de cine digital que asegure un alto nivel de rendimiento técnico, confiabilidad y control de calidad". Parte del trabajo básico de DCI incluye la resolución de imagen y requisitos de presentación, el packaging del contenido, interoperabilidad, requisitos de seguridad, etc., como eje de los estándares a ser validados por SMPTE. Conformidad DCI se refiere al cumplimiento de los estándares de rendimiento y diseño impuestos por DCI a los fabricantes de equipos de Cine D y a los proveedores de contenido. Es necesario que haya un cumplimiento para asegurar la compatibilidad tecnológica y la protección del contenido
La especificación DCI ofrece dos formatos de imagen: el
estándar de 2K que ya lleva varios años en uso, y el esperado estándar
de 4K que se ha empezado a usar en la postproducción de películas de
gama alta y para el estreno de determinadas películas digitales.
El cine siempre ha sido la mejor manera de disfrutar las películas, sin embargo, con la increíble calidad que ahora ofrece el sistema de cine en casa de Alta Definición como HDTV, Blu-ray y las videoconsolas de última generación, el mejorado estándar de 4K disminuye la distancia entre ir al cine o quedarse en casa con un sistema HD.
Sony es el primer fabricante en lanzar al mercado sistemas que cumplen con la normativa DCI del formato 4K mientras que otros fabricantes están desarrollando equipos compatibles.
En el mundo del cine, las estructuras de granos menores permiten imágenes más detalladas. En la migración a digital, los píxeles sustituyen los granos como elementos básicos de una imagen. Cuanto más pequeño el tamaño de píxel y mayor su número, las imágenes serán más detalladas y realistas.
Una ventaja adicional de la gran resolución de los sistemas 4K es que su tamaño de píxel en pantalla es muy pequeño, aproximadamente un cuarto del tamaño de los píxeles que aparecen en proyectores 2K HD equivalentes.
El tamaño de los píxeles resulta importante para los miembros de la audiencia sentados en las primeras filas.
El cine siempre ha sido la mejor manera de disfrutar las películas, sin embargo, con la increíble calidad que ahora ofrece el sistema de cine en casa de Alta Definición como HDTV, Blu-ray y las videoconsolas de última generación, el mejorado estándar de 4K disminuye la distancia entre ir al cine o quedarse en casa con un sistema HD.
Sony es el primer fabricante en lanzar al mercado sistemas que cumplen con la normativa DCI del formato 4K mientras que otros fabricantes están desarrollando equipos compatibles.
¿Qué es 4K?
El estándar de imagen 4K para la proyección de cine es de 4096 x 2160 píxeles. Esto representa 4 veces la resolución del cine digital de 2K y las imágenes de Alta Definición.En el mundo del cine, las estructuras de granos menores permiten imágenes más detalladas. En la migración a digital, los píxeles sustituyen los granos como elementos básicos de una imagen. Cuanto más pequeño el tamaño de píxel y mayor su número, las imágenes serán más detalladas y realistas.
Comparación de resoluciones de imagen
Una ventaja adicional de la gran resolución de los sistemas 4K es que su tamaño de píxel en pantalla es muy pequeño, aproximadamente un cuarto del tamaño de los píxeles que aparecen en proyectores 2K HD equivalentes.
El tamaño de los píxeles resulta importante para los miembros de la audiencia sentados en las primeras filas.
 |
| Cine de 2k |
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| Cine de 4k |
Las butacas en gradas son cada vez más populares en los cines para poder
sentar a más gente más cerca de la pantalla y poder así disfrutar más
de la experiencia. El uso de sistemas de proyección 4K evita que
aquellos sentados en primera fila noten la configuración de los píxeles
típica de los proyectores de baja resolución.
La gran resolución del 4K muestra imágenes más detalladas, realistas y
atractivas sin estructura de píxeles visible incluso desde las primeras
filas.
martes, 24 de abril de 2012
Propuestas:
Fotografía: En sí la iluminación de la escena es naturalista, no hay ningún tipo de "efecto" por ese lado. Aún no está pautada con el profesor de la materia pero seguramente utilizaremos una puesta básica minimalista que resalte la idea de espontaneidad y de "vida cotidiana" patente en la película. Será grabada a color y convertida a blanco y negro en post-producción. Para evitar la sobre-exposición en este punto, evitaremos el uso de elementos completamente blancos o negros en el rodaje.
Montaje: Hay varios movimientos de cámara, travellings, paneos, que resaltan la idea de aprisionamiento del personaje. En la remake vamos a respetar eso y haremos lo más parecido posible los mismos movimientos.
Arte: Al ser una película "antigua", intentaremos conseguir los mismos elementos que utilizan en la escena. La idea es una escenografía clásica, un hogar, pero de poco espacio. Es importante que se "sienta" el poco espacio en el que se mueve el personaje. Además, contamos con los materiales que simbolizan estas "obligaciones" que Antoine debe cumplir: el bolso con la tarea de la escuela, los cubiertos y platos de los quehaceres del hogar, etc.
Sonido: La mayor parte de la escena transcurre sin música de fondo, solo los sonidos de foley y los diálogos. La música solo suena en los momentos en que el personaje da rienda suelta a sus impulsos, se siente "libre" solo por un segundo (cuando juega con el espejo de la habitación de su madre). Luego hay un silencio total, que como los demás elementos, ayudan a construir la sensación de "prisión". Se respetará esto en la remake.
Puesta en escena: Básicamente se trata de mostrar, en esta escena de 3 minutos, el estado del personaje de Antoine. Lo limitado y encerrado que se encuentra, y la libertad que anhela. Se trata de una escena relativamente "sencilla" siempre y cuando se logre mantener la esencia deseada. Para eso, haremos uso de los elementos mencionados anteriormente.
Fotografía de un objeto elegido:
Me gustó porque se trata de un objeto que todos tienen en su casa, y además en el mismo lugar había muchas más, sin embargo, era única. Siempre me pareció que los pequeños techitos que tenían este tipo de camas, brindaban una mejor protección a las personas mientras dormían.
martes, 10 de abril de 2012
Desglose de Casting y Equipo Técnico
Cantidad de Actores: 3
Personajes y características:
Antoine Doinel: Joven de 14 o 15 años aproximadamente, delgado, morocho, Altura: 1.35.
Madre de Antoine: Mujer adulta de unos 38 años, cabello rubio largo pero recogido, contextura delgada, facciones perfectas, 1.65 de altura. Apariencia estructurada y amarga.
Padre de Antoine: Hombre adulto de unos 44 años, cabello oscuro y corto, algo corpulento, facciones pronunciadas (orejas y nariz levemente grandes). 1.75 de altura aproximadamente. Apariencia gentil algo torpe.
Equipo Técnico:
DF: Pollero Deza
Cámara: Sony Handycam SX44
Días de rodaje: 21 y 22 de Mayo
Personajes y características:
Antoine Doinel: Joven de 14 o 15 años aproximadamente, delgado, morocho, Altura: 1.35.
Madre de Antoine: Mujer adulta de unos 38 años, cabello rubio largo pero recogido, contextura delgada, facciones perfectas, 1.65 de altura. Apariencia estructurada y amarga.
Padre de Antoine: Hombre adulto de unos 44 años, cabello oscuro y corto, algo corpulento, facciones pronunciadas (orejas y nariz levemente grandes). 1.75 de altura aproximadamente. Apariencia gentil algo torpe.
Equipo Técnico:
DF: Pollero Deza
Cámara: Sony Handycam SX44
Días de rodaje: 21 y 22 de Mayo
Escena elegida
La escena transcurre en el departamento donde vive Antoine y sus padres. Es la primera escena donde vemos al pequeño interactuando con ellos y el trato que recibe de su parte. Su madre no hace otra cosa que regañarlo por no cumplir sus deberes escolares y domésticos, y su "padre" (que en realidad no lo es) prácticamente no se interesa por él. Descubrimos entonces la incomunicación, la carencia absoluta de afecto que sufre Antoine.
Los planos cerrados y los movimientos de cámara (casi sin cortes de edición) no hacen otra cosa que acentuar el aprisionamiento y el deseo de libertad de Antoine. Desde el comienzo de la película (sufriendo los castigos injustos de su profesor) y durante el desarrollo de ésta, Antoine recibirá castigos de todo tipo fortaleciendo su deseo de escapar de sus problemas.
Los planos cerrados y los movimientos de cámara (casi sin cortes de edición) no hacen otra cosa que acentuar el aprisionamiento y el deseo de libertad de Antoine. Desde el comienzo de la película (sufriendo los castigos injustos de su profesor) y durante el desarrollo de ésta, Antoine recibirá castigos de todo tipo fortaleciendo su deseo de escapar de sus problemas.
Sinopsis
TÍTULO: Los 400 golpes
TÍTULO ORIGINAL Les Quatre cents coups (Les 400 coups)
AÑO 1959
DURACIÓN 94 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR François Truffaut
GUIÓN Marcel Moussy & François Truffaut
MÚSICA Jean Constantin
FOTOGRAFÍA Henri Decae (B&W)
REPARTO Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy, Guy Decomble, Georges Flamant, Patrick Auffay
SINOPSIS A sus doce años, Antoine Doinel se ve obligado no sólo a convivir con los problemas conyugales que sus padres no se atreven a afrontar, sino también a soportar las exigencias de un severo profesor. Un día, asustado porque no ha cumplido un castigo que el maestro le ha impuesto, decide hacer novillos con su amigo René. Inesperadamente, ve a su madre en compañía de otro hombre; la culpa y el miedo lo arrastran a una serie de mentiras y riñas que poco a poco van calando en su ánimo. Deseando dejar atrás todos sus problemas, sueña con conocer el mar y traza con René un plan para escaparse.
FUENTE: Film Affinity
FUENTE: Film Affinity
La Nouvelle Vague
Tras la
Segunda Guerra Mundial, con la industria alemana debilitada, Francia
continuó dominando el mercado mundial del cine artístico en las
décadas de los años 1950 y 1960, produciendo cineastas muy
independientes que experimentaron diversos modos de expresión. En
1958 irrumpen los directores de la llamada Nouvelle vague. François
Truffaut (Los cuatrocientos golpes, 1959; Fahrenheit 451,
1966). Jean-Luc Godard (Al final de la escapada, 1959),
Claude Chabrol, Louis Malle, Eric Rohmer, Alain Resnais (Hiroshima,
mon ameur, 1959)… son algunos de los nombres más célebres.
La 'Nouvelle Vague' francesa fue un fenómeno artístico y social que cambió el panorama cultural de la Francia de finales de los 50, dando lugar al nacimiento de una nueva manera de hacer cine que se extendió por toda Europa, alterando lo que hasta entonces eran tenidos como principios inamovibles a la hora de rodar un filme. Las nuevas maneras de hacer películas y las nuevas historias que se contaban en ellas crearon una nueva manera de vivir, más libre y espontánea, que caló con rapidez en la juventud de finales de la década de los 50.
La Nouvelle Vague tiene sus raíces en André Bazin que comienza, en 1947, a mantener una serie de nuevas ideas sobre cómo hacer cine sin sujetarse a las forma de crear películas vigentes en Francia. Bazin defendía un cine realista y fresco, que mostrase la vida cotidiana y que no requiriese de grandes presupuestos económicos. Con esta concepción, André crea su primera publicación sobre cine, la Revué Du Cinéma (1947), que en 1951 sustituye por Cahiers Du Cinema. En esta última revista, una nueva generación de críticos cinematográficos, influidos por Bazin, da el paso y se convierte en directores y cineastas: Godard, Truffaut, Chabrol, Rohmer y Demy, entre otros, pasan de escribir sobre el nuevo cine a hacerlo. Para finales de los años 50, varios de estos nuevos directores ya habían filmado cortos e incluso sus primeros largometrajes, obras totalmente rupturistas que utilizaban nuevas técnicas de rodaje (exteriores, poca puesta en escena, filmación con cámaras llevadas en las manos…) y que se basaban en la visión del director, el auténtico autor de la obra. En la Nueva Ola, la regla era que no había reglas.
Fuente: http://www.popthing.com/zona_cine/la_nouvelle_vague.php
http://www.duiops.net/cine/nouvelle-vague-francesa.html
La 'Nouvelle Vague' francesa fue un fenómeno artístico y social que cambió el panorama cultural de la Francia de finales de los 50, dando lugar al nacimiento de una nueva manera de hacer cine que se extendió por toda Europa, alterando lo que hasta entonces eran tenidos como principios inamovibles a la hora de rodar un filme. Las nuevas maneras de hacer películas y las nuevas historias que se contaban en ellas crearon una nueva manera de vivir, más libre y espontánea, que caló con rapidez en la juventud de finales de la década de los 50.
De críticos a cineastas, o el concepto de la Nueva Ola del cine francés.
La Nouvelle Vague tiene sus raíces en André Bazin que comienza, en 1947, a mantener una serie de nuevas ideas sobre cómo hacer cine sin sujetarse a las forma de crear películas vigentes en Francia. Bazin defendía un cine realista y fresco, que mostrase la vida cotidiana y que no requiriese de grandes presupuestos económicos. Con esta concepción, André crea su primera publicación sobre cine, la Revué Du Cinéma (1947), que en 1951 sustituye por Cahiers Du Cinema. En esta última revista, una nueva generación de críticos cinematográficos, influidos por Bazin, da el paso y se convierte en directores y cineastas: Godard, Truffaut, Chabrol, Rohmer y Demy, entre otros, pasan de escribir sobre el nuevo cine a hacerlo. Para finales de los años 50, varios de estos nuevos directores ya habían filmado cortos e incluso sus primeros largometrajes, obras totalmente rupturistas que utilizaban nuevas técnicas de rodaje (exteriores, poca puesta en escena, filmación con cámaras llevadas en las manos…) y que se basaban en la visión del director, el auténtico autor de la obra. En la Nueva Ola, la regla era que no había reglas.
La línea argumental tuvo un vuelco significativo, especialmente al
presentarnos la temática de una manera entretenida pero con gran
profundidad, y sin descuidar jamás el alto grado de verosimilitud sin
adornos artificiales que sacaran al espectador del nudo central del
guión.
Eran muy sueltos, llegando incluso a dejar algunos vacíos
intencionales, los cuales daban pie a otro de los aspectos más
característicos de sus películas: la libertad que tenían los actores
—muy bien elegidos— para improvisar diálogos que daban mucha fluidez y
agilidad a los textos. No olvidemos que este movimiento le dio gran
importancia al lenguaje y lo cambió desde el punto de vista
cinematográfico. La regla de oro para los actores es que no había
reglas.
Fue tal la apuesta de estos realizadores, que sólo el neorrealismo
italiano de Visconti, Rosellini y De Sica, en la inmediata post guerra,
puede compararse con la influencia en la tendencia cinematográfica. De
manera similar se dio con estos jóvenes cineastas franceses de las
postrimerías de los cincuenta e inicios de los sesenta.
Lo que sí está claro, es que la Nouvelle Vague, ya hace medio
siglo, cambió para siempre el cine francés e influyó enormemente en la
filmografía del mundo.
A pesar de que el cine francés
manejaba planteamientos lejanos a los hollywoodienses, tampoco pudo
escapar de la enorme influencia que ejercieron los grandes estudios
durante los años 40 en el resto de Europa. Así, la Nouvelle vague
se inspiró también en el cine comercial estadounidense de Howard
Hawks, Alfred Hitchcock (por el cual Truffaut sentía una especial
admiración) y John Ford. Por ejemplo, la película Al final de la
escapada de Godard, con Jean-Paul Belmondo, es un hermoso
homenaje a las películas de gángsters estadounidenses, pero desde
una perspectiva europea.
A pesar de las grandes diferencias que a veces había entre ellos, lo que unió a todos fue la reivindicación del cine como lenguaje autónomo y el anteponer siempre la libertad creadora a toda exigencia comercial
A pesar de las grandes diferencias que a veces había entre ellos, lo que unió a todos fue la reivindicación del cine como lenguaje autónomo y el anteponer siempre la libertad creadora a toda exigencia comercial
Fuente: http://www.popthing.com/zona_cine/la_nouvelle_vague.php
http://www.duiops.net/cine/nouvelle-vague-francesa.html
martes, 3 de abril de 2012
La pasión cinéfila, François Truffaut
François Truffaut
La pasión cinéfila
Apasionado del cine, revisaba constantemente los clásicos con fervor casi religioso. Cinéfilo ante todo, François Truffaut fue también un revolucionario de la crítica, que contagiaba a sus lectores el amor por el cine al tiempo que derrumbaba los absurdos prejuicios de los intelectuales del Séptimo Arte. Supo expresar su particular visión del mundo en sus películas como director, siempre pobladas de personajes que reproducían su pasión por el cine, el arte, la literatura las mujeres y la vida. "¿Qué es un director de cine? Un hombre que responde a preguntas de todo tipo. Algunas veces, conoce las respuestas", decía él mismo sobre su profesión, en uno de los diálogos del personaje que interpretó, el director de cine de La noche americana.
Nacido en la capital francesa, el 6 de febrero de 1932, François Truffaut era hijo de madre soltera y tardó muchos años en conocer a su auténtico padre. El arquitecto y decorador Roland Truffaut -compañero sentimental de su madre- le inscribió en el registro como hijo suyo.
Resultó providencial para Truffaut su encuentro con André Bazin, el patriarca de la crítica francesa. El chico había creado su propio cineclub, 'Le Cercle Cinémanie', que financiaba gracias a su trabajo como mensajero y chico para todo en un mercado. Sus sesiones no tenían el éxito esperado porque coincidían con el cine club del profesor Bazin. Ni corto ni perezoso, el chico -que tenía 16 años- se fue a ver a Bazin, ¡para exigirle que cambiara el día de sus proyecciones! A éste le cayó en gracia, se convirtió en su protector, y le contrató como secretario personal y para escribir en sus revistas, un trabajo que le libraría del reformatorio. "Me proporcionó mi primer trabajo interesante, es decir, ligado al cine (...). Puedo afirmar que le debo todo lo bueno que me ha ocurrido desde entonces. Bazin me enseñó a escribir, corrigió mis primeros artículos en 'Cahiers du Cinéma', y progresivamente me llevó a la dirección. Cuando falleció el día 11 de noviembre de 1958 yo había empezado precisamente la víspera el rodaje de mi primera película, Los cuatrocientos golpes. Sólo llegó a leer el guión", explicó Truffaut.
Su álter ego, Antoine Doinel (Jean-Luc Godard), en una escena de "Los 400 Golpes"
El lugar donde Truffaut más aprendería sobre cine fue la Cinemateca Nacional de París. Allí devoraría cantidades pantagruélicas de cine, aunque le marcaron especialmente los grandes clásicos del cine americano, sobre todo John Ford, Howard Hawks, Nicholas Ray y Alfred Hitchcock, al que le dedicaría posteriormente un libro legendario. En la revista 'Cahiers du Cinéma' -cofundada por Bazin en 1951-, Truffaut colaboraría junto con Jacques Rivette, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, con Eric Rohmer de editor. Todos estos jóvenes talentosos cambiarían para siempre el cine francés, porque se convertirían en los impulsores del movimiento conocido como Nouvelle Vague.
A principios de 1954, Truffaut escribe en 'Cahiers' su artículo más famoso, 'Une certaine tendence du cinéma française' (Una cierta tendencia del cine francés), punto de partida de las teorías de la Nouvelle Vague. El escrito atacaba sobre todo las adaptaciones literarias y producciones acartonadas del cine francés, que sólo se ocupaban de la 'qualité' pero se olvidaban de aportar el punto de vista personal del director al film.
En 1954, Truffaut siente la necesidad de hacer él mismo cine, y debuta tras la cámara con el cortometraje Une visite, seguido de Les Mistons. Le ayudó a obtener financiación y seguir rodando películas el contraer matrimonio en 1957 con Madeleine Morgenstern, hija de un importante distribuidor. Aunque tuvo dos hijas con ella, acabó divorciándose en 1965. Mientras duró el matrimonio, su suegro le financia la producción de su primer largometraje, Los cuatrocientos golpes, basado en su propia juventud, y que se convertiría en uno de los primeros largometrajes de la Nouvelle Vague, tras El bello Sergio, de Claude Chabrol. Truffaut tenía muy claro que el protagonista debía ser un chico que se pareciese mucho a él. Para reclutarle puso un anuncio en el periódico al que respondieron cientos de chavales. Finalmente eligió a Jean-Pierre Léaud, hijo de una actriz y un asistente de guionista, que era tan conflictivo y mal estudiante como él. "Les hacía preguntas bastante sencillas, puesto que mi objetivo era encontrar un parecido más moral que físico con el niño que yo creía haber sido", escribía Truffaut en 'Les adventures d'Antoine Doinel'. Con el film, que recibió el premio al mejor director en Cannes, los analistas empiezan a hablar de una ruptura en el cine francés y se pone de moda el nuevo movimiento. Aparecen decenas de seguidores que rodaban en la calle, cámara en mano, películas que pretendían sobre todo reflejar la realidad.
Un homenaje de los Simpsons a la famosa escena final de "Los 400 Golpes"
En su segundo trabajo como director, Tirad sobre el pianista, Truffaut había decidido abandonar la temática autobiográfica, y acometer la adaptación de una novela de David Goodis, que homenajea al cine negro que tantas alegrías le había deparado en la gran pantalla. Sin embargo, no tuvo el mismo éxito que su ópera prima, sobre todo porque el público huía en masa de los filmes de la Nouvelle Vague, que identificaban como excesivamente intelectuales. Por lo visto, los espectadores preferían ir a ver precisamente las películas de los directores atacados por la Nouvelle Vague. Al final, el movimiento se disgrega, sobre todo por la rivalidad entre sus propios miembros, que en su mayoría acaban integrándose en el cine francés más comercial.
Obsesionado por analizar los efectos de una infancia tan desastrosa como la suya, Truffaut inició una saga de películas protagonizada por Antoine Doinel, el personaje de Léaud en Los cuatrocientos golpes. El director muestra al personaje descubriendo el amor en Antoine y Colette, uno de los cortos que integran El amor a los 20 años. En Besos robados, Doinel se enamoraba de una chica que pertenecía a una familia estable, prototipo de la que siempre había querido tener, tanto el personaje como el propio Truffaut. En busca de su propio hogar, en Domicilio conyugal, el personaje se casa y tiene un hijo. Quizás, el menos interesante de la serie es la última entrega, El amor en fuga, donde el mismo Doinel ha destruido su estabilidad familiar, se ha divorciado y tiene una nueva pareja con la que las cosas no van muy bien.
Truffaut recuperó el tema de la infancia perdida en una de sus mejores películas: El niño salvaje. Allí, analiza la falta de afecto y comunicación humana en un chico que fue abandonado y que ha sobrevivido por sus propios medios en un bosque. El propio Truffaut se adjudicó el papel del Dr. Itard, que se esfuerza por comunicarse con el protagonista, e integrarlo en la sociedad. La relación entre los educadores y los niños es también tratada por Truffaut en La piel dura, que sigue los pasos de los alumnos de un colegio.
El cineasta rindió homenaje a sus pasiones culturales. Por ejemplo, recrea el mundo del cine en La noche americana, que reconstruye un rodaje. También rindió tributo al teatro en El último metro, sobre un grupo de actores durante la ocupación nazi. Truffaut -que siguió siendo toda su vida un lector compulsivo- reivindica el valor del libro en Fahrenheit 451, adaptación de una novela de Ray Bradbury que presenta una sociedad futurista donde la lectura está prohibida. Ya había homenajeado a su adorado Balzac en Los cuatrocientos golpes -donde el protagonista le dedica un altar al escritor-, mientras que Diario íntimo de Adele H. recrea la historia real de la hija de Victor Hugo. Truffaut también sería el autor de correctas adaptaciones literarias, como Las dos inglesas y el amor, La sirena del Mississipi, La habitación verde o Vivamente el domingo, su último trabajo.
El director falleció prematuramente, a los 52 años de edad, a consecuencia de un tumor cerebral, el 22 de octubre de 1984, en las cercanías de París. Llevaba en estado de coma diez días, en los que estuvo acompañado por Fanny Ardant.
Películas como Director de François Truffaut
Vivamente el domingo [1983]
Vivement dimanche!
La mujer de al lado [1981]
La femme d'à côté
El último metro [1980]
Le dernier métro
El amor en fuga [1979]
L'amour en fuite
La habitación verde [1978]
La chambre verte
La piel dura [1976]
L'argent de Poche
Diario íntimo de Adele H. [1975]
L'Histoire d'Adèle H.
La noche americana [1973]
La nuit américaine
Une belle fille comme moi
Las dos inglesas y el amor [1971]
Les deux angalises et le continet
El pequeño salvaje [1970]
L'enfant sauvage
Domicilio conyugal [1970]
Domicile conjugal
La sirena del Mississippi [1969]
La Sirène du Mississipi
Besos robados [1968]
Baisers volés
La novia vestida de negro [1967]
La mariée était en noir
Fahrenheit 451 [1966]
Fahrenheit 451
La piel suave [1964]
La peau douce
Jules y Jim [1962]
Jules et Jim
Tirad sobre el pianista [1960]
Tirez sur le pianiste
Los cuatrocientos golpes [1959]
Les cuatre cents coups
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James Wong Ho: Emigrante chino y de larguísima trayectoria, se le reconoce como uno de los mejores directores de fotografía del cine americano. En Cuerpo y Alma de Robert Rossen fija el solito toda una estética alrededor del boxeo que llega hasta nuestros días en títulos como Toro Salvaje o la citada Million Dollar Baby. Chantaje en Broadway es otro portentoso y contrastado trabajo en B&N a revisar entre cientos de trabajos.
Gregg Toland: Gran parte de la revolucionaria estética de Ciudadano Kane es culpa suya. Mucho se ha escrito sobre la profundidad de las tomas gracias al uso de la profundad de campo y una cuidada iluminación, también de los ángulos de cámara y objetivos seleccionados. Entre sus trabajos de referencia tampoco puede faltar su fantasmagórico trabajo en las Uvas de la Ira de John Ford.
Christian Matras: El hombre detrás de la cámara de la última etapa francesa de Max Öphuls. Exuberantes movimientos de cámara e iuminaciones, pero también alocados travellings y ángulos de cámara. Quiza no tanto en el plano técnico como en el púramente visual, pueder ser una fuente de inspiración.
Gordon Willis: Poco más se puede decir de "El Príncipe de las Tinieblas". Tan sólo disfrutar de sus trabajos con Coppola y Woody Allen, además de su espectacular uso de lentes dióptricas en Todos los Hombres del Presidente.
Henri Decaë y Raoul Coutard: Responsables de la fotografía de los títulos más importantes de la Nouvelle Vague francesa. El primero con toda una piedra angular como Los 400 Golpes, pero también con las sugerentes iluminaciones y contrastada fotografía del cine de Jean Pierre Melville. El segundo sobre todo con su colaboración con Jean-Luc Godard, donde prima sobre todo la iluminación natural y un estilo de aspecto directo.
Edmon Richards: Su descomunal labor en Campanadas a Medianoche basta para citarlo en culaquier lista. También a destacar su trabajo en El Proceso de Welles.
Néstor Almendros: Nuestro Nestor, toda una institución dentro de la fotografía "naturista". Larguísima colaboración con Rohmer, pero también a destacar sus trabajos Truffaut (El Pequeño Salvaje) o Alan J. Pakula (La Decisión de Sophie). Para la Historia queda su impresionante trabajo en Días del Cielo de Terrence Malick, reconocido con el Oscar a la mejor fotografía en 1978.
FUENTE